Hoy no podemos hablar de sostenibilidad en la moda sin hablar de colonialismo. A menudo se piensa en el colonialismo como un momento histórico distante en el tiempo; sin embargo, al observar las estructuras sobre las que descansa la industria de la moda, queda claro que la colonización todavía está profundamente arraigada en la industria. Por eso descolonizar la moda se vuelve fundamental.
Colonialismo en la moda: lo que significa
La industria de la moda trabaja extrayendo recursos del sur del mundo, como el algodón, utilizando procesos que degradan el medio ambiente como la agricultura industrial (fertilizantes, pesticidas, semillas transgénicas) y el trabajo forzoso, a veces incluso el trabajo infantil.
Se explota la mano de obra, buscando precios cada vez más bajos y pagando salarios mínimos y condiciones de trabajo inseguras.
Las rutas comerciales que se utilizan hoy en día para intercambiar mano de obra, recursos y bienes son en gran medida las mismas que hace un siglo y medio. Las rutas que utilizan los europeos para transportar azúcar y café desde el continente americano son las rutas que se utilizan hoy para acercar la moda a los consumidores occidentales.
Así como los sistemas coloniales del pasado dependían del trabajo forzoso y otras formas de explotación, las empresas de moda de hoy continúan explotando y beneficiándose de una fuerza laboral vulnerable compuesta principalmente por mujeres en países como Bangladesh, Vietnam, India y Etiopía.
Tras el brote de la pandemia COVID-19, hubo una disminución en las ventas minoristas en Europa y Estados Unidos en marzo y abril de 2020. Como resultado, las grandes marcas cancelaron pedidos por valor de miles de millones de dólares. El «Center for Global Workers ‘Rights» descubrió que las empresas debían pagar 16.200 millones de dólares en los tres meses comprendidos entre abril y junio de 2020. Al negarse a pagar los pedidos en producción o ya producidos, las grandes empresas han abandonado sus fábricas en países como Bangladesh. con fondos insuficientes para pagar a los trabajadores.
Apropiación cultural y estándares eurocéntricos
Otra forma importante de incorporar la colonización a la moda actual es a través de la cultura. La moda ha sido y sigue siendo uno de los principales impulsores de la promoción de los estándares de belleza eurocéntricos.
Estos estándares de belleza aparecen en portadas de periódicos, pasarelas y campañas publicitarias, incluso en revistas dirigidas a países fuera de Europa o Estados Unidos.
Sin embargo, los problemas no se refieren solo a la exclusión de culturas marginadas. A veces pueden relacionarse con la «inclusión» inapropiada de algunos elementos de una cultura marginada por parte de la cultura dominante. Este mal uso de patrones, símbolos, estilos y otros elementos específicos se conoce como apropiación cultural. El riesgo de tal apropiación es que los elementos «incorporados» por otras culturas puedan algún día estar completamente disociados de su comunidad de origen.
Existe una delgada línea entre la apropiación cultural y la apreciación cultural, y la compensación entre los dos es precisamente la inclusión, en la narrativa, de las culturas minoritarias de las que se toman prestados los valores o las ideas. Usar una parte de la cultura de alguien como inspiración y excluir a la gente de esa cultura también es una forma de robo. La apropiación cultural es terrible por el sutil mensaje que transmite: «tu cultura no es aceptable hasta que nosotros decimos que lo es».
Apropiación cultural: algunos ejemplos
No es raro que esto suceda en la industria de la moda. En 2011, Urban Outfitters lanzó una línea de ropa y accesorios con temática navajo y algunos miembros de la comunidad indígena encontraron esta colección «culturalmente ofensiva». La disputa llegó a los tribunales y terminó en 2016.
Tres años después, en 2014, la diseñadora francesa Isabel Marant fue acusada de plagiar la tradicional blusa de Tlahuitoltepec de la comunidad indígena Mixe en México. En 2017, la marca canadiense Ports 1961 lanzó camisetas con los lemas «Only Love Matters» y «Every Color Matters», que los usuarios de las redes sociales consideraron que menospreciaban el mensaje del movimiento Black Lives Matter y se apropiaban de las expresiones culturales de una grupo minoritario.
Más recientemente, en enero de 2020, Comme des Garçons fue acusado de hacer que sus modelos blancas usaran pelucas trenzadas durante el desfile de la Semana de la Moda de París. Respondiendo a las críticas, el peluquero Julien d’Ys se disculpó y dejó en claro que no tenía ninguna intención de «herir u ofender a nadie». d’Ys defendió el uso de coletas en estos modelos, afirmando que era una inspiración y un homenaje a un príncipe egipcio.
Para no mancharse de apropiación cultural, la información es fundamental: leer y estudiar permiten tener las herramientas adecuadas para acercarse a otras culturas. También es importante rendir homenaje a los artistas y las ideas y reconocer sus orígenes.
Cómo ayudar a descolonizar la moda
Son muchos los activistas que luchan por descolonizar el mundo de la moda y pertenecen sobre todo al movimiento «BIPOC», que significa «black, indigenous and people of color” («negros, indígenas y de color».)
¿Cómo contribuir a la descolonización de la moda? Un primer paso para descolonizar la moda podría ser seguir a los influencers y creadores de contenido de BIPOC, así como comprar en tiendas o marcas vintage de propiedad de la comunidad. Debemos aprender a repensar y reestructurar los sistemas existentes: Remake lanzó recientemente la campaña «Pay Up Fashion», que contiene siete acciones que las empresas deben tomar para tener una industria más justa. Estos incluyen: mantener seguros a los trabajadores; volverse transparentes mediante la divulgación de salarios y la publicación de auditorías; conseguir que los trabajadores firmen contratos exclusivos; etc.
Creo que las marcas deberían preguntarse no solo «¿este producto hace el menor daño posible?», Sino también «¿es realmente bueno para los productores y para el futuro de nuestro planeta?». Desde la materia prima hasta el final de su vida útil, las marcas deben centrarse en proteger el bienestar de las personas en la industria de la moda y proteger el medio ambiente «.
Ayesha Barenblat, fundadore de Remake
También es importante descolonizar la moda para ralentizar y producir menos. Necesitamos impulsar un movimiento de moda sostenible que apoye el comercio y las compras de segunda mano. Debemos entrar en una nueva era en la que redefinir el lujo. En lugar de ser un sueño elitista e inalcanzable que refleja los valores coloniales, la moda debe incluir el respeto por los derechos humanos y los valores ambientales.
Mujeres trabajadoras para descolonizar la moda
Aditi Mayer
Aditi Mayer, periodista, public speaker y consultora asentada en Los Ángeles, fundó el blog «ADIMAY», caldo de cultivo para una narrativa responsable e inclusiva que aborda temas como la descolonización, la equidad ambiental y la explotación de recursos limitados. La inspiración para su blog llegó tras el colapso de la fábrica textil Rana Plaza (en la que se producía para Benetton, grupo Inditex, Mango, Primark, …), que tuvo lugar en 2013 en Bangladesh, que provocó la pérdida de numerosos vidas.
Tenemos que preguntarnos por qué la industria de la moda ha normalizado la explotación laboral y el hecho de que la moda sostenible es una industria de nicho, con una enorme brecha de precios que influye en quiénes pueden participar.
La cultura occidental lo ha recontextualizado como un acto de consumo y esto puede ser muy perjudicial en cuanto a cómo vemos nuestra implicación en este movimiento.
Aditi Mayer entrevistada para Green Dreamer
Brittany Sierra
Emprendedora y experta en sostenibilidad, Brittany Sierra fundó en 2017 el «Sustainable Fashion Forum«, tras constatar la ausencia de una comunidad IRL que trazara una línea directa entre consumidores y actores del sector de la moda. SFF también organiza una conferencia anual celebrada en Portland, Estados Unidos, que acoge a empresas como Adidas, ThredUP y Fashion Revolution.
Ser una mujer negra en la industria de la moda sostenible significa tener la responsabilidad de mostrar a otras personas de color que hay un lugar para ellas en este mundo. Significa ser visible, compartir mi voz y hacer todo lo posible para que el sector I love sea un lugar apto para todos, donde puedas sentirte bienvenido.
Brittany Sierra entrevistada para Refinery29
Kimberly Jenkins
Docente de la Parsons School of Design, inventó el curso » Fashion and Race«, y posteriormente llevó a cabo una exposición del mismo nombre en la escuela. Hoy da clases en la Universidad Ryerson de Toronto. Ha lanzado una plataforma en línea, «Fashion and Race Database», diseñada para proporcionar herramientas de código abierto que «desafían las representaciones falsas dentro del sistema». Hay secciones para libros, películas, conferencias, exposiciones, artículos y episodios de podcast, así como varios ensayos y artículos.
Ha llegado el momento de expandirnos, ir más allá del eurocentricidad al que nos hemos acostumbrado. Este es también el lema de nuestra base de datos: ampliar la narrativa de la historia de la moda. Estas personas siempre han existido: diseñadores negros, latinos, artesanos indígenas, todos. Modelos, artistas, siempre han estado ahí, al margen. Es hora de poner a estas personas en primer lugar y crear una gran historia.
Kimberly Jenkins entrevistada para Forbes
Cuando se trata de descolonización, se trata de reflexionar sobre cómo el legado del colonialismo ha moldeado e influido en lo que ahora consideramos bello o «de moda». Afortunadamente, las cosas ya están cambiando.
