L’arte è intrinsecamente presente nell’essere umano, sia sulla superficie della pelle che nei recessi più profondi del nostro essere. È presente in noi dalla preistoria ed è stata fondamentale per documentare la storia di diverse società e culture nel corso del tempo. Secondo la RAE (Reale Accademia Spagnola), è la manifestazione dell’attività umana che interpreta il reale o modella l’immaginario con risorse plastiche, linguistiche o sonore.
Si tratta quindi di un’interpretazione unica di ogni individuo, che prende forma e trova il modo di esprimersi attraverso diversi elementi e persino esperienze. Non deve essere compresa a prima vista, non deve rientrare nei parametri della bellezza, ma deve suscitare emozioni nello spettatore, invitarlo a entrare in nuovi mondi, in nuovi punti di vista, ma soprattutto ha la sorprendente capacità di esprimere al di là del razionale.
L’arte deriva dal desiderio di una persona di comunicare con un’altra persona.
-Edvard Munch
Ogni artista cerca un modo per comunicare, per essere, con i mezzi che utilizza. Alcuni lo fanno con la musica, altri con la danza, la pittura o la scrittura. Ma cosa succede quando si va oltre il consolidato, quando la loro creatività ha bisogno di altri mezzi per esprimere ciò che vogliono dire? Mezzi fuori dall’ordinario che permettono loro di creare opere innovative e che dimostrano l’immensa diversità della parola arte. Qui, alcuni artisti che hanno trovato la loro voce sperimentando strumenti non convenzionali che danno alla loro arte una distinzione e un’affermazione unica per trovare modi alternativi di fare arte. A prescindere dalla tecnica, sono tutti alla ricerca di modi per portare la loro visione e inviare un messaggio intorno alla natura.
David Popa
Nato a New York, ma residente in Finlandia. Questi luoghi si ritrovano nel suo modo alternativo di fare arte, che combina l’arte di strada urbana con le superfici organiche della natura.
Ispirato dal lavoro del padre sui graffiti, l’arte di strada e il muralismo, Popa ha sviluppato una propria versione di quest’arte. Le sue opere su larga scala non si basano su muri urbani, ma su spazi selvaggi, mutevoli e stimolanti che dipendono dalle condizioni atmosferiche come la luce, il vento o l’acqua.
Le sue opere si ispirano anche all’arte rupestre e si considera un paleopittore. Utilizza pigmenti naturali che rispettano l’ambiente in cui lavora proprio come si faceva migliaia di anni fa: carbone, conchiglie macinate, pigmenti di terra. Una tecnica che gli ha richiesto anni di sperimentazione e che oggi impregna di maestria i luoghi più remoti.
La sua arte è così effimera che può durare solo pochi giorni prima di tornare alla natura. Per questo motivo, Popa documenta il suo lavoro attraverso fotografie e video con l’aiuto di droni, che gli permettono di registrare il suo lavoro dall’inizio alla fine, attraverso tutte le avversità e le sfide che gli elementi della natura comportano.
Se a prima vista colpisce, l’impatto del messaggio è ancora maggiore. La potenza della natura di fronte all’uomo è commovente. Ci ricorda il nostro passaggio fugace sul pianeta, la nostra mortalità, la nostra breve esistenza. E, nel farlo, ci interroga sul nostro ruolo in mezzo a tutto questo, sull’impronta che stiamo lasciando sull’ecosistema. Sottolinea il nostro legame con la natura e ci invita a godere dei suoi misteri e a riflettere sui danni che il nostro passaggio lascia – e non dovrebbe lasciare -.
Henrique Oliveira
Il lavoro di questo artista brasiliano oscilla tra pittura e scultura, con opere tridimensionali che lo rendono un artista installativo. Opere che permettono di entrare nelle sue pareti, sotto strutture imponenti che riflettono la complessità del suo lavoro meticoloso: strisce sottili che taglia da materiali di scarto e poi sovrappone una a una per dare vita alle sue opere.
Il legno è il suo materiale per eccellenza per creare modi alternativi di fare arte, forse perché è stato addestrato dal mestiere di carpentiere del padre. Così, ricorre a questo elemento per sviluppare sontuose strutture organiche che fanno riferimento alla natura.
La sua arte è una dichiarazione di intenti che inizia dal momento in cui raccoglie il materiale. Un materiale umilissimo, con cui costruisce a partire da pezzi destinati alla spazzatura. Rifiuti che acquistano uno scopo in ambiziose opere d’arte nate dopo aver sperimentato con i piatti trovati nei cassonetti di San Paolo. Piatti di colori diversi, segnati dal passare del tempo e dalle caratteristiche del loro ambiente. Piatti che venivano utilizzati per la costruzione o come blocco per limitare l’accesso ai terreni abbandonati. A queste deve il nome della sua prima serie, in cui dà risalto a ciò che doveva essere nascosto.
Da questa serie ha creato molteplici installazioni in cui la natura si contrappone all’intervento umano, conquistandolo. Foreste che emergono da colonne, tronchi che escono dalle finestre degli edifici, che sfondano i muri, che trasformano gli spazi da cui erano stati spostati dall’azione umana. In questo modo, l’artista cerca di criticare le nostre azioni e di non lasciarci indifferenti di fronte alla potenza della natura. Quella che dovremmo cercare di conservare e non di conquistare come è stato fatto per secoli, come lui stesso afferma.
Aurora Robson
Per questa artista nata a Toronto, la plastica è il suo strumento principale. Negli ultimi vent’anni ha trasformato i rifiuti plastici in grandi sculture organiche, che mostrano un grande movimento e appaiono imponenti e delicate allo stesso tempo, proprio come la natura.
Con la sua arte, quindi, cerca di puntare i riflettori sull’inquinamento da plastica e sulla gestione dei rifiuti, creando modi alternativi di fare arte. La velocità con cui la plastica viene consumata e prodotta è preoccupante per il futuro del pianeta, e Robson lo dice chiaramente. Vede la plastica come un incubo globale e l’arte come il linguaggio che gli permette di parlare di questo problema e di affrontarlo da una prospettiva meno negativa, di trovare il potenziale e di creare da un problema difficile da sopportare.
Le sue sculture riflettono la mutevolezza dei sogni in incubi e degli incubi in sogni. Il suo pensiero parte dall’idea di come trasformare qualcosa che la spaventa in qualcosa di piacevole. Trasformare questo incubo globale in qualcosa di più piacevole. E il problema della plastica è certamente un incubo da cui tutti vorremmo svegliarci.
Il suo lavoro comprende molteplici metodi di intervento, che ha costantemente esplorato, sperimentato e ricercato. La sua sfida consiste nel rendere le persone consapevoli dell’uso di questo materiale, nell’invitare al dialogo e alla riflessione su come la nostra società ha generato compulsivamente rifiuti e su come ciò influisce sull’ambiente e sulla nostra salute.
Non cerca di aumentare l’uso di questo materiale o di far parte della piccola percentuale di plastica riciclata. Al contrario, cerca di riutilizzare la grande percentuale di plastica che rimane nell’ambiente per anni.
Non vuole nemmeno contribuire all’idea che sia giusto buttare via se poi si ricicla. Nell’era dell’Antropocene, occorre impegnarsi per trovare il modo di produrre meno rifiuti possibile e agire con determinazione.
Ha creato il Vortex Project con l’obiettivo di sviluppare una comunità che lavori e innovi intorno al problema della plastica, condividendo le conoscenze e aiutandosi a vicenda tra i diversi artisti che lavorano con questo materiale. Con questo progetto cerca anche di implementare programmi di studio, nelle università e nelle istituzioni, per sviluppare competenze e prospettive.
