Entre las maravillosas obras de Land Art, destaca Robert Smithson con su obra Spiral Jetty, fruto de un arte ecológico y portador de un mensaje de reciclaje y salvaguarda del medio natural. Antes de hablar de este gran artista, es importante destacar el movimiento Land Art: una forma de arte perfectamente integrada con la naturaleza y sujeta a sus transformaciones.
Uno de los principales logros que el arte pone en marcha a finales de los sesenta es el del medio ambiente. Esta conquista puede seguir distintos caminos. Si se trata de arte que adquiere connotaciones ambientales -es decir, se convierte en un entorno que puede ser visitado y accesible al espectador- entonces hablaremos de medio ambiente, es decir, el medio ambiente en su conjunto entendido como obra de arte. Si, por el contrario, el arte abandona estos espacios institucionales para enfrentarse a un espacio urbano o natural, hablaremos de Land Art. Esta definición, utilizada por primera vez como título de una película por el conservador y galerista alemán Gerry Schum, que documentó las obras al aire libre de algunos artistas británicos y estadounidenses, aún puede tener una funcionalidad, siempre que permita distinguir las diferentes instancias que empujan a los artistas a salir del estudio y entrar en el desierto, lagos y bosques: instancias que puede tener, en ocasiones, una connotación minimalista, procedimental, conceptual o performativa.
Lo crucial de entender es que, tanto en los enviroments como en las obras de Land Art, la obra deja de ser un objeto cerrado que se puede exhibir en cualquier lugar o circunstancia, para convertirse en algo que se relaciona con un espacio específico y que a menudo no puede existir fuera de ese espacio. Esto no significa que este espacio no pueda ser el museo o la galería, como lo demuestra por ejemplo el Etantdonnés de Duchamp, un entorno creado para un contexto específico (Philadelphia, Museum of Art), ni que el trabajo ambiental no pueda encontrar formas de documentarse, contado o «exhibido» en el museo o galería.
En Land Art, las obras son hijos de la Madre Tierra y su existencia está determinada por la acción de los agentes atmosféricos, que pueden cambiarlas o destruirlas. Pero es su naturaleza efímera lo que los hace fascinantes. Este movimiento es un desafío y hay muchos artistas, especialmente estadounidenses y anglosajones, que han estado probando suerte en el encuentro-choque con el entorno natural desde la década de 1970. Detrás de la admiración por esculturas monumentales y espectaculares vistas del paisaje, sin embargo, también hay un mensaje ecológico. Una crítica al consumismo y la mercantilización del arte, en cambio realzando el tema del reciclaje y la explotación inofensiva de los recursos ya existentes. En definitiva, el artista no crea, sino que trabaja sobre algo preexistente, con el fin de definir un nuevo espacio relacional para el observador.
El trabajo de Robert Smithson (1938-1973) es particularmente significativo en este sentido. Originario de Nueva Jersey, se presenta como un artista polivalente: escritor, director y escultor al aire libre, Smithson es el portavoz y pionero del Land Art. Esta forma de arte nació como una de las muchas facetas del arte ecológico, llamado porque el artista se involucra en una confrontación activa con el espacio circundante. Tras la superación del minimalismo, en clave procedimental, llegó, a finales de los sesenta, a los primeros earthworks. Smithson utiliza este término para definir las intervenciones ambientales que llevó a cabo en una escala creciente desde 1969 hasta el año de su muerte, que ocurrió en un accidente aéreo mientras volaba sobre el sitio de Amarillo Ramp, su último earthwork, en la ciudad de Amarillo en Texas. . Las implicaciones procedimentales de su trabajo ambiental son evidentes en Glue Pour (Rampa di Glue, 1969), un barril de cola volcado en una pendiente, de tal manera que la cola, antes de solidificarse, asume una forma absolutamente aleatoria: un gesto ya propuesto en mayor escala alrededor de Roma dos meses antes, cuando Smithson derramó una carga de asfalto por una pendiente.
Las pocas intervenciones ambientales posteriores están dominadas casi por completo por las formas del círculo y la espiral, este último emblema de la dispersión entrópica de la energía, que según Smithson era un concepto clave de la contemporaneidad, así como del arte. El más famoso es sin duda el Spiral Jetty, un muelle en espiral hecho de piedras, cristales de sal y lodo, que se adentra en las aguas del Gran Lago Salado, Utah.
Spiral Jetty es una de las obras más conocidas y monumentales del Land Art. Como muchas otras obras de este tipo, es patrimonio de la Fundación DiA de Nueva York, que se encarga de su mantenimiento y organiza visitas guiadas al lugar. La obra consiste en una larga franja de tierra, rocas basálticas y cristales de sal, que sobresale sobre el Lago Salado. Smithson usó material recolectado a lo largo de los bancos para hacerlo Smithson.
La obra establece una profunda relación con el entorno. El Gran Lago Salado es, en palabras de Smithson, un ‘mar muerto’ ubicado en un territorio devastado por el hombre, que trató de aprovechar al máximo sus recursos naturales: primero oro, luego sal y petróleo. La espiral hace de esta pesadilla ambiental un lugar de peregrinación, llama la atención sobre sus problemas y por lo tanto tiene una connotación ecológica. Además, la forma de la espiral, muy querida por el artista, alude a una leyenda local, que quiere que el lago se origine en un vórtice conectado directamente al mar.
Una poderosa huella dejada por el hombre en el paisaje, Spiral Jetty está destinada a integrarse con él. La intención del artista no es crear una obra que deba mantener su forma original para siempre, sino asegurarse de que la obra comparta la vida del paisaje al que pertenece. Así que el muelle, en un momento factible, ahora está casi completamente sumergido por agua, visible solo desde el avión. Al mismo tiempo, la conservación de la obra también se convierte en un estímulo para el cuidado del territorio: desde julio de 2009 la Fundación DiA lucha contra un proyecto que prevé un aumento de la evaporación, con el fin de incrementar la extracción de sulfato de potasio, utilizado para producir fertilizantes. La operación devolvería el Spiral Jetty a la superficie, pero resultaría en un retroceso del lago e infligiría más heridas al ecosistema ya comprometido de la zona.
Sin embargo, me detendría un poco más en la forma de espiral de la obra, el verdadero enfoque del artista. Smithson elige porque siempre ha sido un símbolo arquetípico de vida y transformación y por su atractivo inmediato a la perfección del mundo natural. No se puede perder la geometría acuosa del Nautilus o la tendencia centrípeta de los remolinos de agua no puede dejar de ser recordada. La peculiaridad geométrica también hace posible un interesante juego cromático, en el que el agua se torna hacia un color rojizo, cerca de las curvas de nivel de los círculos, y varía sus matices en todos los espacios de separación entre una línea y otra. Esto puede resultar de la presencia de microorganismos, desencadenada por la variación en la cantidad de sales marinas. Lo que se crea es un interesante efecto óptico, que juega con la hipnosis, la capacidad cautivadora del movimiento de las olas y que recuerda la relajante atmósfera marítima. Un lugar de soledad y reflexión, donde uno puede alejarse del frenesí urbano.
Lo que hace que esta obra sea realmente particular es su singularidad, dictada por la posibilidad de poder observarla plenamente solo desde arriba. Una vista privilegiada, alejada de la muchedumbre del museo, que se intenta pasar por alto para robar un momento contemplativo a la obra colgada en la pared. Otro rasgo distintivo es su frágil existencia. Cuando Smithson inició su creación, el nivel del lago era particularmente bajo y esto le permitió dejarlo exponer en toda su magnificencia, antes de sumergirse bajo la superficie del agua durante 21 años, de 1972 a 1993. visible y transitable, pero su superficie había cambiado, ya que las sales marinas se habían depositado en las rocas, cambiando de color. El 2002 trajo consigo una nueva inmersión, que ha aparecido en los últimos años, volviendo a abrir la obra a los visitantes.
El mensaje que quiere transmitir Smith es el de una obra que se representa a sí misma, que no tiene que recurrir a los círculos viciosos del mercado del arte, sino que nace y se transforma continuamente en el lugar donde nació. El artista da su toque inicial, pero el resto se deja al destino y esto es lo que hace que la obra sea esquiva, cambiante, lejos del toque destructivo del hombre, para salvaguardar el medio ambiente y su naturaleza variada y polifacética.
