Hacia finales de los años sesenta del siglo pasado nació una nueva corriente artística, en marcado contraste y controversia con el arte convencional. Rechazando técnicas y soportes comunes, los artistas que idealmente se identifican en este movimiento recurren a animales, plantas y minerales; materiales como la tierra, la madera, el hierro, los trapos, el plástico y los desechos industriales son sus soportes preferidos. La intención no es la de «affermazione, indicazione di valori, modello di comportamento» («afirmación, indicación de valores, modelo de conducta») sino la de probar la contingencia y precariedad de la existencia. Esto es el Arte Povera.
La reutilización de materiales es común a lo largo de la historia humana y sin embargo en la historia del arte. Restando el siglo XX, por ejemplo, los dadaístas ya exploraban la creatividad en plena libertad a través de la reutilización de todos los materiales y formas disponibles; y, también a través de ready-mades, dieron vida a las primeras instalaciones y performances.
El Arte Povera como actitud
En el Arte Povera, sin embargo, el redescubrimiento y la elección de materiales naturalmente disponibles en el entorno no surge de necesidades económicas o de disponibilidad, sino de una voluntad específica. Es «una actitud, la posibilidad de utilizar todo lo que se tiene en la naturaleza y en el mundo animal». Así lo describió el crítico Germano Celant, quien acuñó el nombre con motivo de la exposición del mismo nombre en la Galleria La Bertesca de Génova en 1967.
La década de 1960, además, vio emerger contundentemente las desigualdades sociales tras el fugaz auge económico de la posguerra, revelando todas las debilidades de la sociedad de consumo que se había ido estructurando en la década anterior. Como sucede a menudo, los artistas anticipan una sensibilidad popular común al ser los primeros en percibir el cambio profundo en los valores culturales relacionados con ella. Poco después, de hecho, estas tensiones estallarán en conflicto, incluido el armado (y no es casual, quizás, que «Appunti per una Guerriglia” («Apuntes para un guerrilla») sea el texto en el que Celant, de 27 años, teoriza esta nueva forma de Arte).
Hierro, esponja
Giovanni Anselmo: él
Entre el grupo de artistas que se reconocen en este movimiento se encuentra Giovanni Anselmo (Borgofranco d’Ivrea, 1934). Nunca asistió específicamente a escuelas de arte pero, a fines de la década de 1950, comenzó a trabajar como diseñador gráfico en un estudio de publicidad. Mientras tanto, practica de forma autónoma técnicas pictóricas. Una década después, abandonará sus experimentos para centrarse en las primeras obras de su dilatada carrera. Estos revelan inmediatamente la dirección de su especulación: la búsqueda de la relación entre la energía inherente a la materia, que se revela a través de combinaciones de objetos y materiales de valor opuesto, para obtener la máxima tensión del juego dialéctico y el contraste entre los diferentes. elementos.
El mundo, las cosas
En principio, por tanto, Giovanni Anselmo explora las propiedades y los procesos físicos que inciden en la transformación de la materia mediante la manifestación de la energía. La gravedad, la oscilación, la tensión, la inercia, el equilibrio, el peso son el foco de su especulación. En «Torsione» («Torsión»), 1968, la tensión provocada por la torsión de una tela de piel de topo se acumula y se devuelve a través del empuje de retorno real que ejerce la barra de hierro alrededor de la cual se envuelve la tela.
Con esta obra, el artista declara que está haciendo un gesto: fuerzas y pesos están envueltos en una relación recíproca. La escultura, en efecto, no sólo yace bajo el peso de la barra sino que, gracias a la torsión, ejerce un empuje contra el límite impuesto por el muro. Habrá seis copias de esta obra, todas fechadas en 1968; estos difieren ligeramente en la longitud y el diámetro de la barra de hierro, material seleccionado en virtud de su peso, y en el color de la piel de topo, que se asemeja al de un órgano humano (hígado o riñón, dirá el artista), este último material elegido por su resistencia.
En «Scultura che mangia« (“Escultura que come”) (1968, colección Sonnabend, Nueva York), una creación decididamente provocadora, se supera la idea de una obra de arte como instrumento de trascendencia. Este está formado por dos bloques de granito, unidos por un alambre de cobre; en el medio hay, prensada, una lechuga cuyo destino inevitable es la descomposición.
La vida
Entre los seres vivos el artista también se descubre a sí mismo en su totalidad: el físico, del cuerpo y los gestos, y el intangible, como su memoria. A través de esta vitalidad intrínseca, comienza a experimentar nuevamente el significado de la vida y la naturaleza.
En “Dove le stelle si avvicinano di una spanna in più” («Donde las estrellas se acercan un palmo más») (2001-2017) invita al observador a cumplir el anhelo infantil de contemplar más de cerca la inmensidad infinita del universo. Solo trepando sobre los 28 bloques de diorita que la componen se realiza la obra; de hecho, requiere de la participación del usuario para que se cree la situación, momento en el que se materializan fuerzas como la gravedad.
Stones, projector, slide
“Yo, el mundo, las cosas, la vida, son situaciones de energía y no se trata precisamente de cristalizar estas situaciones, sino de mantenerlas abiertas y vivas según nuestra vida”.
De perfil reservado, Giovanni Anselmo prefiere no mostrarse al público y trabajar en soledad. Si bien está consolidada internacionalmente en el panorama artístico, en comparación con sus colegas pobres ha tenido una producción más limitada.
Cabe destacar la creación de su archivio para la conservación y catalogación de obras, que comenzó a perfilar en el apogeo de su carrera. Concebido para uso personal para conservar documentos relativos a su actividad recopilados a lo largo del tiempo, el artista pone la documentación a disposición de los estudiosos interesados, previo consentimiento.
En 2016 recibió el Premio Presidente de la República de Escultura y, para la ocasión, la Academia Nacional de San Luca dedicó una retrospectiva al artista para repasar los más de cincuenta años de su trayectoria artística.
Para profundizar en la obra de otros artistas: https://www.thegreensideofpink.com/design/arte/2022/alberto-burri/
